Partizipative Kunst- und Ausstellungsarbeit (Co-Creation)
Unsere Ausstellung "Ein Teil von Mir, Ein Teil von Dir!" dient als Beispiel für Projekte, die ähnliche Ziele haben. Das Projekt soll zeigen, welche positiven Effekte Kunstausstellungen in der Gesellschaft haben, wenn sie partizipativ gestaltet werden.
Definition und Zielsetzung
Sichtbarkeit & Dialog Dieser Ansatz in der Arbeit mit jungen Erwachsenen versteht Kunst nicht als rein individuelles Produkt, sondern als einen gemeinsamen, kollaborativen Prozess. Das primäre Ziel einer solchen Ausstellung ist es, jungen Erwachsenen mit Migrations- und Fluchtgeschichte im städtischen Raum – wie hier in Düsseldorf – nachhaltige Sichtbarkeit zu verschaffen. Die Ausstellung ist dabei kein starres Vorzeigen von Einzelwerken, sondern ein interaktives Dialogformat. Es geht darum, den Düsseldorfer Bürger:innen die vielfältigen Lebensrealitäten von Menschen mit und ohne Einwanderungsgeschichte interaktiv nahezubringen und einen echten Austausch auf Augenhöhe zu ermöglichen. Die Kunstausstellung wird somit zu einem gemeinsamen Projekt aller Beteiligten.
Zielgruppenansprache: Niedrigschwellige Akquise über Social Media
Um die jungen Erwachsenen zu erreichen und für das Projekt zu finden, hat sich die Nutzung von sozialen Medien als zentraler Anknüpfungspunkt erwiesen. Die Praxis zeigt, dass ein ansprechendes Design allein oft nicht ausreicht; das Schalten von zielgerichteter Werbung (Ads) ist entscheidend, damit Beiträge besser gestreut und genau den Menschen angezeigt werden, die sich für das Thema interessieren. Dabei hat sich ein spannender Effekt gezeigt: Beitragstexte werden häufig intensiver gelesen als die reine Bildbeschreibung.
Die digitale Akquise ist jedoch keine Einbahnstraße, sondern basiert auf einer Kombination aus Reichweite und persönlicher Beziehungsarbeit:
- Gezieltes Scouting & Direktansprache: Neben der klassischen Werbung geht das Team aktiv auf potenzielle Teilnehmende zu. Durch die Recherche auf Instagram werden gezielt junge Kunstschaffende ausfindig gemacht, die ihre Werke bereits online präsentieren, und direkt per Nachricht angefragt.
- Der Übergang zur Mundpropaganda: Ein gut funktionierendes Social-Media-Konzept schwappt schnell in die reale Welt über. Überzeugte Teilnehmende schlagen das Projekt im eigenen Bekanntenkreis vor und bringen Freund:innen mit. So wird aus einem digitalen Erstkontakt echte, organische Mundpropaganda.
- Barrierefreie Kommunikation: Der Erstkontakt läuft bewusst unkompliziert direkt über Instagram-Nachrichten statt über formelle E-Mails. Es werden zentrale, leicht erreichbare Treffpunkte vereinbart. E-Mail Kontakt wird aber mit angegeben
- Offenheit für alle: Es meldet sich eine diverse Gruppe – von jungen Erwachsenen, die bereits künstlerisch arbeiten, bis hin zu junge Erwachsene, die in dieser Richtung noch keine Erfahrung haben, aber im Projekt unterstützt werden möchten.
Hier der Beitrag auf den Soziale Medien, damit Sie sich ein Bild machen können.
Hier ist die erste Seite des Instagram Posts.
Da wir keine reale Kunst hatten, haben wir uns für ein Stock-Foto entschieden.
Hier wurde bei dem nächsten Bild kurz und knapp die Voraussetzungen geteilt.
Hier die wurden Möglichkeiten erklärt, welche Formate im Rahmen der Ausstellung eingereicht oder erstellt werden können
Ein einen weitere Bild wurde den kurz die Argumente aufgestellt, die die potenziellen teilnehmenden überzeugen sollen, wieso sie mitmachen sollten
Hier wurde die Möglichkeit per E-Mail oder Instagram anzuschreiben angeboten und auch die Unterstützung von XChange bei der Umsetzung
Wieso haben wir Beitragsbilder generiert?
Häufig haben wir die Erfahrung gemacht, dass Texte, die direkt auf den Beitragsbildern platziert sind, mehr gelesen werden als die eigentliche Bildbeschreibung darunter. In den letzten 2,5 Jahren hat sich diese Methode sehr gut bewährt und dabei geholfen, mehr Menschen zu erreichen. Neben dem passenden Design ist es auch entscheidend, Werbung zu schalten. Die Werbeanzeigen haben dabei geholfen, dass der Beitrag besser gestreut und interessierten Personen angezeigt wurde.
Abbau von Barrieren: Ressourcen- und Prozessgerechtigkeit
Ein wesentlicher Kern des Ansatzes war es, allen Teilnehmenden die gleichen Chancen zu bieten. Beim ersten Treffen wurde transparent vereinbart, dass alle benötigten Materialien für die Exponate vom Projekt gestellt werden konnten, gepaart mit dem Appell, umsichtig damit umzugehen. Barrierefreiheit bedeutete hier aber mehr als nur Material:
- Kreative Begleitung: Teilnehmende ohne Vorerfahrung wurden Schritt für Schritt bei der Erstellung ihres Kunstwerks begleitet.
- Technische Unterstützung: Wer keine eigene Kamera besaß oder sich nicht selbst fotografieren konnte, wurde von der Projektleitung durch das Erstellen von Fotografien unterstützt, damit die eigene Vision umgesetzt werden konnte.
Förderung von Gemeinschaft:
- Kollaborative Kunst am Beispiel „Flickenteppich“ Die Gemeinschaft unter den jungen Erwachsenen wurde gestärkt, indem neben den Einzelwerken auch ein gemeinsames Kunstwerk geschaffen wurde. Bei regelmäßigen Gruppentreffen wurde durch Spiele das Eis gebrochen, es wurden kritische Aspekte ausgetauscht und der gesamte kreative Prozess miteinander geteilt. Ein starkes Praxisbeispiel hierfür war das Gestalten eines gemeinsamen Flickenteppichs, der die Teilnehmenden untereinander vernetzte und Verständnis füreinander schaffte:
- Biografische Bezüge: Die Teilnehmenden brachten eigene Stoffstücke mit, die ihnen wichtig waren und symbolisch für ihre individuelle Migrations- oder Fluchtgeschichte standen.
- Gemeinsamer Prozess: Im kollektiven Arbeiten entschied die Gruppe gemeinsam, wie der Teppich angebracht werden sollte und was er darstellen sollte. Das Zerschneiden von Stoffen, um daraus etwas Neues zu weben, spiegelte den gemeinsamen Prozess wider – Kunst verlor das rein Individuelle und wurde zum Gemeinschaftswerk.
Hier ist der Flickenteppich, der die kollaborative Arbeit zeigt.
Ausstellungstext
சிறகை விரிக்க சிறு துண்டுகளாய்
Wir erscheinen als Bruchstücke, damit wir unsere Flügel ausbreiten können
Der Flickenteppich entstand in enger Zusammenarbeit mit den Künstler:innen der Ausstellung. Mittels einer speziellen Webtechnik wurden die einzelnen Fragmente zu einem großen Teppich zusammengefügt. Die verarbeiteten Materialien tragen persönliche Geschichten in sich: Es sind Stoffe, die den Beteiligten viel bedeuten und aus den unterschiedlichsten Teilen der Welt stammen, darunter Pakistan, Kurdistan, Südkorea, Sri Lanka, die Türkei und Deutschland.
Im Zentrum des Projekts stand nicht das isolierte Einzelwerk, sondern das kollektive Schaffen. Der Teppich symbolisiert, dass wir uns gegenseitig ergänzen und bereichern, gerade wegen unserer Unterschiede. Ein herzlicher Dank gilt der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, die uns die Räumlichkeiten und den Workshop ermöglicht hat.
Nutzung externer Netzwerke: Kooperation mit Kulturinstitutionen
Für den Erfolg und die Professionalität in der Arbeit mit jungen Erwachsenen waren externe Kooperationspartner von enormer Bedeutung. Sie boten den nötigen Raum, die Infrastruktur und die nötige Öffentlichkeit im städtischen Raum:
- Die Stadtbüchereien Düsseldorf (Zentralbibliothek): Als stark frequentierter, zentraler Ausstellungsort im Herzen der Stadt garantierten die kommunalen Partner, dass die Kunstwerke eine breite Öffentlichkeit erreichten und der gesellschaftliche Dialog mit den Bürger:innen tatsächlich stattfinden konnte. Wir empfehlen, Orte zu wählen, die niedrigschwellig, gut erreichbar und kostenlos für die Besucher:innen sind, damit gewährleistet wird, dass viele Menschen diese Ausstellung sehen.
- Die Kunstsammlung NRW (K20): Durch einen maßgeschneiderten Workshop und eine Führung im K20 erhielten die Teilnehmenden Einblicke, wie andere Künstler:innen Migrations- und Fluchtgeschichten oder Stoffe in ihren Werken verarbeiteten. Die Nutzung der professionellen Museumsräume, der Materialien und die Unterstützung durch die Workshopleitung hoben das Projekt auf ein neues Niveau.
Weitere Kunstwerke
Selbstbildnis mit Çay
Öl auf Leinwand 2026
Can Arslan
Was bedeutet es, seinen Platz zwischen Tradition und eigener Identität zu finden?
Oft ist es das Gefühl, sich dazwischen zu bewegen. Geprägt von dem, was weitergegeben wurde und gleichzeitig auf der Suche nach dem, was einen selbst ausmacht. Das Bild verbindet ein Selbstporträt mit einem ornamentalen Rahmen, der an einen Kilim erinnert. Die Figur bleibt nicht innerhalb dieser Ordnung, sondern verschiebt sie leicht. Ein Arm tritt über den Rand hinaus, als würde das Bild seine eigene Grenze infrage stellen. Der Çay steht im Zentrum einer ruhigen Handlung. Kein klares Symbol, eher eine Geste, ein Moment. Was bleibt, ist ein Zustand dazwischen.
Childhood & Raised +
Fotografien 2022
Anista Mangala Arulruban
Die Arbeiten setzt sich mit Künstlicher Intelligenz und digitaler Wahrnehmung auseinander und legt rassistische Strukturen innerhalb algorithmischer Systeme offen. Digitale Technologien erscheinen hier nicht als neutrale Werkzeuge, sondern als Fortsetzung historischer Machtverhältnisse.
Ausgangspunkt der Arbeit sind frühe, biografisch geprägte Erfahrungen von Diskriminierung, die sich in digitalen Systemen fortschreiben. Standardisierte KI-Systeme wie die Gesichtserkennung benachteiligen Menschen mit dunkler Hautpigmentierung strukturell und reproduzieren bestehende Ungleichheiten.
Durch das Einpudern des Gesichts mit Mehl wird die eigene dunkle Haut temporär in eine helle Haut überführt. Diese performative Geste irritiert die Logik der Gesichtserkennung und macht sichtbar, unter welchen Bedingungen Anerkennung und Sichtbarkeit im digitalen Raum entstehen.
Die Arbeit versteht sich als kritischer Eingriff in eine Technologie, die zunehmend über Teilhabe, Ausschluss und gesellschaftliche Gleichberechtigung entscheidet.
„Kına Gecesi”
Acryl und Grafikstifte auf Leinen 2024
Eda Kıvanç
Die “Kına Gecesi” – die Henna-Nacht, bei der traditionell alle weiblichen Familienmitglieder vor den Hochzeitsfeierlichkeiten zusammenkommen, um die zukünftige Braut des gemeinsamen Haushalts zu verabschieden. Dabei wird Henna unter den Frauen verteilt, es wird unter Tränen, Gelächter und Versprechungen gemeinsam gesungen und gegessen. Die Komposition dieses Werkes ist inspiriert.
Altin Günü!
Eda Kıvanç
Das Werk zeigt eine nachbarschaftliche Frauenrunde beim traditionellen Altın Günü. Zwischen Tee, Kaffee und gedecktem Tisch zirkulieren Goldmünzen und Schmuckstücke als Zeichen von Vorsorge und gegenseitiger Unterstützung. Dramatisch von einer einzigen Deckenlampe beleuchtet, sitzen die älteren Frauen in traditionell-dörflicher Kleidung wie an einem Casino-Tisch; sie rauchen, scherzen und setzen Gold wie Spielchips oder Wertanlagen an der Börse ein. Humorvoll und zugleich symbolisch macht die Szene sichtbar, dass oft im Verborgenen weibliche Netzwerke, auch über verschiedenste Kulturen hinweg, Solidarität, Fürsorge und die Investition in das Gegenüber aktiv praktizieren und zusammenfassen. Innerhalb der Szene sehen wir eine ältere Frau, vielleicht die Tante oder Großmutter der jungen Gastgeberin, die Gold anbietet und durch diesen Brauch eine durch Tradition entstandene Strategie der finanziellen Freiheit weiterführt.
Der nächste Zug
Schachtisch (Holz), 3D-Druck (Resin/Kunststoff), Glas (Spiegel), Acrylfarbe, eventuell bei der 2. Ausstellung: Metall (Schwerter-Requisiten). 2026
Alinda Kayahan
„Der nächste Zug“ ist eine interaktive Installation zu Migration, Rassismus und Identität. Ein Schachtisch mit organischen, 3D-gedruckten Figuren bricht das starre Schwarz-Weiß-Schema auf. Eine Skeletthand hält ein Schwert, ein Symbol für den Kampf und die Zerbrechlichkeit von Grenzen. Über dem Tisch hängt ein Spiegel, der die Betrachter zwingt, ihr Spiegelbild durch „blutige Grenzen“ hindurchzusehen. Das Werk stellt die Frage nach der eigenen Rolle im System und fordert zur Reflexion über gelernte Feindbilder und den nächsten eigenen Schritt auf.
Pehchaan (Identität)
Acrylfarbe, Wachsmalkreide, Stoff, Schmuckteile 2026
Rabiya Ahmad
Das Bild repräsentiert meine Heimat Pakistan. Die verschiedenen Elemente in diesem Werk zeigen, wie ich sie mit meiner Identität in Verbindung setze. Die Inspirationen für dieses Bild entstanden aus den Fotos, die beim letzten Familienurlaub im Jahr 2024 aufgenommen wurden. Die Süße der Mango, die meine Mutter mit eigener Hand für uns schneidet. Eine Tasse Chai, welche die Wärme des Landes widerspiegelt. Eine Surma-Flasche, die die Schönheit des Landes repräsentiert. Meine Schwestern und ich als Kinder auf einer Rikscha mit der Aufschrift „Punjab“ auf Urdu, um unsere weite Heimat noch einmal neu zu entdecken.
Die Badshahi-Moschee, die jene Ruhe und jenen Seelenfrieden ausstrahlt, den wir fühlen, wenn wir vor Ort sind. Ein Khussa (traditioneller Schuh), der uns durch die Straßen trägt. Ein weiterer Teller mit geschnittenen Mangos, die nirgendwo besser schmecken als in unserer Heimat. Eine Hand mit frisch gepflückten Mirabellen, die in vielen Gärten wachsen und die Wärme brauchen, um zu gedeihen. Und schließlich ich selbst als Selbstporträt: Ich sehne mich jeden Tag nach all diesen Dingen, während ich von meiner Familie in der Ferne getrennt bin. Das Bild verkörpert die Vorfreude und die Sehnsucht auf die nächste Reise in meine Heimat.
„Unsichtbare Linien“
Fotografien 2026
Eliza Kokeyan
Foto: Makileny Vijayakumar
Fotos entstanden im Teppischladen „Zommorodi“
Heinrich-Heine-Allee 33 | 40213 Düsseldorf
In meinem Projekt erforsche ich die vielschichtige Beziehung zu meinem Herkunftsland – nicht nur dem geografischen Ort meiner Geburt, sondern auch der historischen Heimat meiner Vorfahren. Es ist eine emotionale Spurensuche, getragen von einer tiefen Sehnsucht nach Orten, die ich war und solchen, die ich nie betreten habe, aber dennoch in mir trage. Diese Orte leben in mir weiter – in Farben, die nach Kindheit schmecken, in Gerüchen, in Früchten, deren Geschmack Geschichten erzählt. Es sind Erinnerungen, die nicht nur visuell, sondern sinnlich sind – ein inneres Archiv aus Bildern, Klängen und Empfindungen. Als Migrantin in Deutschland ist meine Identität von einer unsichtbaren Linie durchzogen – eine Verbindung zwischen Hier und Dort, zwischen Jetzt und Damals. Diese Linie zieht sich durch mein Leben, manchmal leise, manchmal laut, und erinnert mich daran, dass Heimat mehr ist als ein Ort. Sie ist Gefühl, Geschichte, Sehnsucht. Mit diesem Projekt möchte ich diese inneren Landschaften sichtbar machen – durch assoziative Bilder, Farben, Materialien und Klänge, die meine persönliche Geschichte erzählen, aber auch universelle Fragen nach Zugehörigkeit, Erinnerung und Identität berühren.
அப்பம்மா Appamma
Acryl auf Leinwand 2026
Keshi Wimalan
Dieses Bild widme ich meiner அப்பம்மா [Oma]. Es ist das Erste, was ich sehe, wenn ich das Tor zu ihrem Zuhause öffne und sehe, wie sie dort sitzt und auf uns wartet.
Es ist die Ruhe in diesem Vorgarten, die Freude, die ich verspüre, wenn ich sie wiedersehen kann. Es ist aber auch die Trauer, die man spürt, wenn man sieht, dass sie älter wird und wir irgendwie so wenig voneinander hatten. Und noch mehr ist es die Trauer, zu wissen, dass sie viel Zeit ihres Lebens dort ohne Familie sitzt. Drei von vier Söhnen hat sie durch den Krieg verloren. Und der Einzige, der das Glück und das Privileg hat, zu sehen, wie sie älter wird, ist mein Vater.
Es ist mein Wunsch, dass sie nie vergessen wird. Eine Frau, auf die ich stolz bin und die mir immer wieder zeigt, dass es starke Frauen in unserer Familie gibt.
Heute ist sie über 90 Jahre alt und lebt in Trincomalee und sitzt wahrscheinlich an derselben Stelle und wartet auf die vielen Freunde, die sie besuchen kommen, und weiß nicht, dass wir hier in Deutschland sie auch sehen.
Auf der Reise
Acryl und Blattgold auf Carrom Board (Holz) (Spiel aus Indien, wird in Südasien häufig gespielt)
Keshi Wimalan
Auf der Reise zu sich selbst sind es oft die Identitäten der Menschen, die vor uns gelebt haben, die uns Halt und Orientierung geben. Zugleich sind sie aber auch der Ausgangspunkt, von dem wir uns lösen müssen, um unsere eigene Identität zu finden. Wichtig ist, dass auf dieser Reise nichts verloren geht.
Alles, was war, bleibt ein Teil des Ganzen und begleitet uns auf unserem Weg. Denn die Suche nach sich selbst bedeutet nicht, die eigene Herkunft hinter sich zu lassen, sondern sie in etwas Neues und Eigenes zu verwandeln.
Und egal, wie weit mich diese Reise auch führen wird: Die Feuerlilie – கார்த்திகைப்பூ (Kārttikaippū) – werde ich als Symbol der eelam-tamilischen Identität immer bei mir tragen.
„Es schmeckt nach Afrîn“
Renas Sido
Fotografie: Makileny Vijayakumar
Wenn ich meine Mutter nach Mengenangaben frage, bekomme ich nie eine richtige Antwort; für sie ist Kochen ein Gefühl. Meiner Mutter ist es wichtig, dass das Essen so schmeckt wie in Afrîn. In Deutschland sieht alles schön aus: Es glänzt, ist optimiert und gut zur Schau gestellt, aber es kommt nicht so direkt aus der Natur wie in unserer Heimat.
Nach jedem Essen sagt sie, wie wichtig es ihr ist, dass das Heimatgefühl an uns vorbeizieht. Und wenn meine Eltern gemeinsam in der Küche stehen, geht es nicht um banale Alltagsdinge; es ist eine Lebensphilosophie, die sie gemeinsam erleben. Denn Essen bedeutet, für einen kurzen Moment zu vergessen, dass wir woanders sind.
Der Geruch von Zuhause zieht durch unsere Wohnung und bis in den Flur unserer Nachbarn. Nur ein gut gekochtes Gericht kann einen ganzen Tisch zum Strahlen bringen. Das Kochen mit meiner Mutter ist das letzte Stück Heimat, das ich noch in mir trage. Unser Zuhause kann zerstört werden, unsere Bäume abgeholzt, wir können entwurzelt und vertrieben werden – aber unsere Erinnerungen können uns nicht genommen werden.
Wir geben euch ein Stück Afrin mit. Lasst es euch schmecken – oder kommt einfach vorbei.
Sichtbare Ausländer, Unsichtbare Stimmen
Fotografien 2025
Hyeonji Lee
Foto: Makileny Vijayakumar
Über Migrant*innen, asiatische Frauen und über uns wird viel erzählt. Man sagt uns, wer wir sein sollen. Aber habt ihr jemals richtig zugehört, was wir selbst zu sagen haben?
Ich lade Euch ein, meine unsichtbare Stimme zu lesen – die Antwort auf die Kommentare, mit denen ich täglich konfrontiert werde.
Nutzt das UV-Licht und führt es über die Fotografie.
Wurzeln
Fotografien und Gemälde2024-2026
Vera Morina
Kosovë – ein Land im Herzen Europas.
Atemberaubende Berge. Glitzernde Seen. Volle Städte. Weite Wälder.
Moderne Architektur trifft auf atemberaubende Natur. Glänzende Fassaden. Schicke Cafés. Tradition und Wandel im Dialog.
Herzliche Menschen. Visionen. Ambition. Kultur. Eleganz. Potenzial. Talente. Entwicklung.
Diese Arbeiten sind eine Einladung, Kosovë und Albanien durch meine Perspektive zu entdecken; als Kind der Diaspora, als Studentin, als Migrakind.
Geprägt von meinen Wurzeln, gesehen durch meine Augen.
Kommt mit.
